Looking for Mushrooms (1959-1967) è un viaggio psichedelico che documenta una serie di “viaggi” attraverso il Messico rurale e l’America urbana. Conner ha combinato vedute di San Francisco girate alla fine degli anni Cinquanta, con scene della Oaxaca rurale catturate durante le sue escursioni “a caccia di funghi” tra il 1961 e il 1962, quando Bruce e sua moglie, l’artista Jean Sandstedt, vivevano a Città del Messico. In almeno uno di questi viaggi, si unì ai Conner Timothy Leary, l’ex professore di Harvard e presto il principale sostenitore delle droghe psichedeliche.  

Mentre una versione precedente del film era muta e veniva riprodotta in loop, nel 1967 Conner aggiunse una colonna sonora rock ‘n’ roll, Tomorrow Never Knows dei Beatles dal loro album del 1966 Revolver. Conner notava spesso che questa versione di Looking for Mushrooms (insieme a Cosmic Ray) veniva spesso noleggiata da agenzie pubblicitarie, presumibilmente interessate al suo uso del montaggio a fuoco rapido e degli effetti stroboscopici per generare disorientamento visivo e messaggi subliminali. Nel 1996, Conner ha rivisto il film ancora una volta: ha utilizzato una stampante ottica per estenderne la durata da tre a quattordici minuti e mezzo e ha aggiunto una nuova colonna sonora, Poppy Nogood and the Phantom Band di Terry Riley. creare un’iterazione più meditativa, ma non per questo meno ipnotizzante, della caccia ai funghi. — Johanna Gosse, storica dell’arte 

“Cosmic Ray sembra un collage sconsiderato di parti in continuo movimento: fumetti, ragazze che ballano, luci lampeggianti. È la ragazza che balla – a malapena vestita, spogliata o nuda – a fornire il leitmotiv del film. Appare sempre tra soldati, pistole e persino la morte, sotto forma di un teschio posizionato tra le sue gambe. E se l’affermazione equipara il sesso alla distruzione, il cataclisma è brillante, come un petardo che esplode e che fa finire il mondo con un botto cosmico. Naturalmente, il titolo si riferisce anche al musicista Ray Charles, la cui arte Conner trascrive visivamente sulla pellicola come una realtà potente, severa e penetrante nella sua capacità di influenzare alcuni istinti animali piuttosto basilari. Ma se questo è il contenuto del film, che gran parte del nostro comportamento consiste nella bestialità, l’opera nel suo complesso si pone come un’intuizione piuttosto che un’accusa.” — Carl Belz, Film Culture  

La colonna sonora del film è What’d I Say (Live from Atlanta, 1959) di Ray Charles. 

Breakaway è un dinamico omaggio di cinque minuti alla forma femminile, alla controcultura, alla musica pop e alla possibilità cinetica del cinema. È anche uno dei pochi film girati dallo stesso Conner, piuttosto che utilizzando materiale trovato da altre fonti. La location era la casa di un collezionista a Santa Monica. Gli amici di Conner, gli attori Dean Stockwell e Dennis Hopper, hanno tenuto le luci e il soggetto era Antonia Christina Basilotta, una giovane cantante e coreografa, che ballava e si contorceva freneticamente sulle note della sua canzone Breakaway, musicata da Ed Cobb. 

Il filmato, della durata di cinque minuti, si apre con un’immagine ad intermittenza della Basilotta in posa su uno sfondo nero, vestita solo con un reggiseno nero e una calzamaglia nera forata. Dopo pochi secondi inizia la musica: il lato B del singolo che porta lo stesso titolo, pubblicato nel febbraio 1966 sotto il nome d’arte Toni Basil, un brano coinvolgente e ad alta velocità che dà il ritmo al film. Il ballo della Basil è dinamico, ma grazie alla telecamera a zoom rapido di Conner e al montaggio stroboscopico diventa quasi frenetico, con la biancheria intima che cambia e scompare in un battito di ciglia. A poco più di due minuti dall’inizio del film, mentre la canzone sfuma e lo schermo diventa nero, il film si svolge al contrario, suono e visione, dalla fine all’inizio. Il film è stato girato con esposizioni a fotogramma singolo e a 8, 16, 24 e 36 fotogrammi al secondo. 

Nel 1965, Bruce Conner ha filmato l’artista Jay DeFeo e la sua monumentale opera d’arte, allora incompiuta, The Rose (1958-66), nei momenti precedenti nel lasciare il suo studio di San Francisco. In una ricerca ossessiva e implacabile, DeFeo ha dedicato oltre otto anni della sua vita a The Rose, un accumulo raggiante di mica e pittura a olio che confonde le distinzioni tra pittura e scultura. Prima di completare The Rose, DeFeo fu sfrattata dal suo studio e costretta a spostare i suoi beni e la sua arte. Il film che ne è scaturito, The White Rose (1967), pone il capolavoro di DeFeo come protagonista, documentando lo strappo forzato dalla vetrata su cui è stato realizzato, nonché il suo viaggio verso il marciapiede sottostante e il camion dei traslochi che lo porta via. 

La colonna sonora del film è Sketches of Spain di Miles Davis. 

Valse Triste è un omaggio al cinema surrealista e un tardo film di transazione (gli psicodrammi di Maya Deren, Kenneth Anger e Sidney Peterson risalgono agli anni ’40, l’epoca dell’adolescenza di Conner). Il film è infatti autobiografico dell’infanzia di Conner nel Kansas, rielaborando la ormai obsoleta “sequenza del sogno” attraverso uno dei suoi cliché – il sogno di un ragazzo che immagina le locomotive a vapore, le attività quotidiane, i tragitti verso casa e le ragazze. Sotto il fascino dell’epoca si nascondono increspature inquietanti. L’imitazione di Conner della dimensione onirica non è una parodia o una presa in giro, ma racchiude ironie complesse come in altri suoi film, profondamente radicate nella vita sociale americana. Ogni elemento del collage conserva qualcosa della sua precedente identità: le riprese di camion malandati, le inondazioni e l’umore malinconico che pervade il film evocano un fatto sociale molto lontano dal sogno, l’ostinata sopravvivenza della vita dopo un recente passato di povertà e depressione. 

America Is waiting (1981), come i precedenti film di Conner, è una compilation, uno strano assortimento di frammenti di vecchi cinegiornali, film educativi, film hollywoodiani, pubblicità televisive degli anni ’50 e frammenti ermetici di “filmati industriali”. I film di Conner sono una sorta di resurrezione e, come la maggior parte delle resurrezioni, hanno qualcosa di macabro e inquietante. 

America Is Waiting parla dell’America, della cultura americana in generale e dell’immagine che gli americani hanno di sé, espressa attraverso atteggiamenti di forza nazionale, di patriottismo e di una scomparsa età dell’oro di ideali nazionali. È un film che presenta immagini di guerra, morte e disintegrazione in modo da sfidare e sovvertire questa eredità.  

Il titolo del film è tratto dalla sua colonna sonora, la canzone di David Byrne/Brian Eno My Life in the Bush of Ghosts. La traccia sonora guida il montaggio del film di Conner, fornendo un commento continuo all’immagine come un modo per generare un complesso di significati e associazioni. 

Con A Movie (1958), Conner ha dato il via a una celebrazione delle immagini in movimento che si è protratta per tutta la vita, accanto ad altre pratiche artistiche come il collage, l’assemblaggio, il disegno e la fotografia. Ha riconcepito le nozioni di cinema della metà del secolo, poiché A Movie esplora contemporaneamente la natura stessa del cinema e del montaggio nell’era moderna. 

Composto da pellicole di scarto in 16mm, acquistate in mercatini delle pulci o recuperate in negozi di macchine fotografiche, A Movie è stato descritto da molti come il primo “girato ritrovato” contemporaneo. Conner ha realizzato quest’opera con cura e precisione assoluta, qualità che definiranno la sua intera pratica artistica attraverso diversi media. A Movie orchestra una sinfonia virtuale di disastri, incidenti d’auto, esplosioni, guerre, carestie, ma anche di sereni momenti di pace: un funambolo, un aereo che fluttua tra le nuvole, la luce che si riflette sull’acqua. Anche se apparentemente casuale nella sua sequenza di immagini, A Movie muove astrattamente ma abilmente lo spettatore attraverso un’ampia gamma di esperienze ed emozioni umane. Con i I Pini di Roma di Respighi come colonna sonora del film, Conner stabilisce una poesia visiva che unisce musica e immagine. Nei decenni successivi, Conner perfezionerà questo connubio tra immagine e suono in altri film, gettando le basi per il video musicale che conosciamo oggi. 

La proiezione si svolgerà presso la sala cinema.  

L’evento è gratuito.

BRUCE CONNER (1933-2008) è stato uno dei principali artisti americani del dopoguerra. Emerso dalla scena artistica californiana, in cui ha lavorato per mezzo secolo, l’opera di Conner tocca vari temi della società americana del dopoguerra, dalla crescente cultura del consumo al terrore dell’apocalisse nucleare. Lavorando contemporaneamente con diversi materiali, Conner ha creato ibridi di pittura e scultura, film e performance, disegno e stampa, collage e fotografia. Conner si è guadagnato una reputazione nazionale con la sua scioccante scultura CHILD (1959), una grottesca figura di cera legata a un seggiolone con calze di nylon, e per i suoi assemblaggi pionieristici, che ha chiamato Rat Bastards. Tra il 1957 e il 1964 ha realizzato quasi duecento di questi assemblaggi ibridi di oggetti trovati e legati insieme con calze di nylon. Per procurarsi i materiali Conner rovistava nei depositi di oggetti usati e nelle case vittoriane in rovina della Western Addition, un quartiere a maggioranza afroamericana. Utilizzando oggetti di scarto e adottando una posizione di consapevole emarginazione, ha creato sculture ispirate alle installazioni realizzate dai rigattieri locali e da altri negozianti. Pioniere del cinema d’avanguardia, Conner ha sviluppato un metodo di montaggio a taglio rapido che ha definito la sua opera. Incorporando filmati provenienti da una varietà di fonti, filmati di formazione e cinegiornali, e aggiungendo in seguito i propri filmati in 16 mm, i film di Conner spesso si focalizzano su temi inquietanti ma assolutamente attuali. Figura chiave della controcultura Beat degli anni Cinquanta, Bruce Conner rifiuta gli ideali borghesi dell’arte come espressione di una creatività privilegiata che produce oggetti belli ed eterni. Al contrario, sfidò gli artisti a creare nuove forme basate su nuovi valori: la spontaneità, l’impurità, il degradato e il marginale. Nel 1968, ansioso di sfuggire a facili classificazioni, Conner rinuncia ad essere rappresentato dalla sua galleria newyorkese e si dedica sempre più alla performance e all’arte concettuale. Lavorando fluidamente in una gamma di media e associandosi in seguito alle sottoculture hippie e punk, rimase tutta la vita un irriducibile anticonformista.